Андреа Креспи: Художник, представивший голографическую медузу на Венецианской биеннале

Голографическая медуза, стеклянная витрина, бывшая венецианская церковь: в инсталляции «Фетида» (Thetis) присутствуют все элементы для создания глубокого эстетического впечатления. Главный вопрос в том, достаточно ли этой красоты или она способна породить нечто большее: переосмысление того, как мы сегодня превращаем живое в образ, символ в опыт, а технологию — в явление. С помощью этой инсталляции, представленной в рамках проекта «Как наверху, так и внизу» (As Above, So Below) на 61-й Венецианской биеннале, Андреа Креспи (Милан, 1992) помещает в бывшую церковь Санти-Косма-э-Дамиано на Джудекке существо, зависшее между биологией, мифом и современными технологиями. Но «Фетида» — это, прежде всего, важный шаг, позволяющий взглянуть на его творчество за пределами привычных ярлыков: цифровое искусство, NFT, физическое-цифровое (phygital), бренд, ИИ.

Кто такой художник Андреа Креспи

34-летний миланец Креспи разработал узнаваемый подход, сочетающий физические и цифровые медиа, оптические линии, классические фигуры, переосмысленные с помощью цифровых технологий, и мгновенно узнаваемый визуальный почерк. Его путь привел его от Миланской триеннале до Художественного музея CAFA в Пекине, от Таймс-сквер до Art Dubai. С инсталляцией «Фетида» он делает новый шаг: это не персональная выставка, а единичное произведение в пространстве, наполненном исторической памятью. Только медуза и тишина церкви.

«Я взял в руки iPad раньше, чем кисть», — рассказывает он. Однако Креспи не любит ярлыки. «Я занимался цифровым искусством еще до появления NFT. Когда наступила эта эпоха, я был молодым художником, который хотел посвятить искусству свою жизнь. Я нашел в этой неизведанной области «голубой океан» — пространство, чтобы заявить о себе, получить узнаваемость, ярлык. Но потом этот ярлык стал мне тесен, как и любому другому. Я не считаю себя NFT-художником. Это часть моего опыта, но не то, кем я являюсь».

Интервью с Андреа Креспи: Инсталляция в Венеции

Поверхность медузы имеет два различных регистра: оптическую текстуру головы и неровность щупалец. Разрыв или преемственность?

Компоненты линий, текстуры, видимого и невидимого лица — это элемент узнаваемости моей поэтики, но он также имеет концептуальное и повествовательное значение: он усиливает смысл произведения за пределами эффекта медузы, движущейся в витрине. Я не стремился к непрерывности. Я хотел, чтобы произведение содержало обе вещи: цифровое и живое, без того чтобы одно поглощало другое.

Фетида знает судьбу Ахилла, но не может ее изменить. Она знает, но не действует. В то время, когда от искусства требуется производить эффект, почему выбрана фигура, которая хранит, а не вмешивается?

Это метафорический выбор. Я много черпаю из классической греко-римской традиции: эти фигуры становятся архетипами, символами. Я читаю книгу Юнга «Человек и его символы», и это чтение еще больше заставило меня увидеть в Фетиде фигуру глубокой бездны, трансформации, тайны. Но работа была создана месяцами ранее: мне важно, чтобы со временем она могла обогащаться новыми значениями. Как бы мы ни старались заглянуть за пределы неизведанного, будущее остается загадкой. Мир меняется каждый день. Мы видели пандемии, войны. Фетида заключает тайну в нашу жизнь.

Ответственность художника в использовании ИИ

Искусственный интеллект сделал создание визуальных образов доступным каждому. Куда смещается ответственность художника?

Тремя ключевыми словами вы просите ChatGPT сгенерировать медузу, и он ее генерирует. Об этом нет споров. Но этот запрос относится к изображению; а искусство — это не изображение. Символ не представляет объект, который вы видите: он представляет целое воображаемое, которое часто невозможно понять без ключа к его прочтению. Этимологически символ — это то, что объединяет. Ответственность художника состоит в том, чтобы достичь своей цели — общаться, затрагивая те струны, которые не затрагивают другие виды коммуникации. Одна моя посетительница на выставке, размышляя над моей работой, сказала мне: «Вы смогли превратить науку в поэзию». Вот. Искусство всегда было средством коммуникации от древности до наших дней. Создание изображения — это не оно.

Цифровая красота до сих пор остается критической областью или рискует быть быстро исчерпанной категорией?

Великие произведения прошлого остаются знаковыми также из-за проблемы дефицита: у вас есть «Весна» Боттичелли, «Мона Лиза», и других таких нет. В цифровом мире дефицита не существует. Сегодня «Мона Лиза» живет больше в цифровой, чем в физической форме: почти никто не видит ее каждый день вживую, но все ее узнают. Миф строится через коммуникацию, сегодня также цифровую. В этом смысле классика не неприкасаема: она продолжает жить еще и потому, что циркулирует. Делают произведение знаковым рынок, сообщество, художник, время и система искусства.

Вас считают «физическим-цифровым» (phygital) художником. Расскажите, что это такое, не превращая в лозунг...

Это отражение того, что происходит. Технология гуманизируется, а человек оцифровывается. В моей практике это не отдельные миры: они питают друг друга. Я создаю холст, связанный с голограммой, которая связана с цифровым произведением, которое связано со скульптурой. Phygital — это не концепция: физическое и цифровое — это просто реальность, в которой мы живем.

Узнаваемый стиль, бренд, рынок: где проходит граница?

Все великие художники сегодня являются брендами. Я работаю над тем, чтобы превратить свою работу в бренд. Но бренд не означает стать чисто коммерческим. Это означает создание узнаваемости, в которой все еще присутствует поэзия. Потому что, если все сводится к цифрам, просмотрам, продажам, ты превращаешься в бухгалтера. Ты теряешь ту энергию, и люди это чувствуют. Технология помогает мне не попасть в эту ловушку: она меняется с абсурдной скоростью, постоянно стимулируя эксперименты. Я не свожусь к повторению одного и того же сюжета. Медиум меняется, подпись остается. Риск в том, что это может стать золотой клеткой. Нужно заметить это раньше.

Вы не любите ярлыки, вы постоянно развиваетесь: будете ли вы продолжать менять медиум?

В этом и заключается вызов. Я продвигаю концепцию иконизации и узнаваемости, но должен избегать того, чтобы она стала механической. Этим летом я думаю о проекте с эстетикой, отличной от линий, о новой территории. Как это было со скульптурой: она стимулировала меня, потому что мне пришлось перенести что-то двумерное в трехмерное. Это утомительно. В этом суть. Когда это перестает быть утомительным, ты просто повторяешься.